Перформативность творчества в работах американских художников XX века

Помимо прочих тем, комедийный спешл предлагает мета-взгляд на роль творца, который может предложить миру лишь свой «контент» во времена глобальных кризисов и катастроф. Герой-создатель, находящийся под пристальным взором публики в собственном доме, который не может покинуть буквально и метафорически, сталкивается со своей ролью развлекателя, неспособного повлиять на волнующие его проблемы в обществе или личной жизни.

Тем не менее, герой признает, что такой способ взаимодействия с миром – это все, что у него есть. Он – «простой малый, застрявший в комнате», а значит, всего лишь человек, желающий своими произведениями достучаться до окружающих, и он может только продолжать творить любой ценой, рискуя быть непонятым, и остаться «дома», вдали от единомышленников и настоящего искусства, а не «контента».

Этот термин обрел особую популярность в сети в 2025, в рамках тренда на обличение «перформативности» интересов и образа жизни модной молодежи. Важно отметить, что аспект показательности «перформативного» образа жизни подразумевает наличие зрителей такого «перформанса». И, как и в случае главного героя «Дома», зритель современных модников – это случайный пользователь Интернета, или современник, встреченный в реальности, чье расположение и принадлежность к чьему кругу он пытается завоевать.

Прежде чем искусство XXI века наполнилось подобными рефлексивными комментариями о собственной показательности, прежде чем развился Интернет, и пользователи поняли, что создание любого «контента», в том числе и произведений искусства, поддержание любого образа, требует доли «перформативности», художники уже обращались теме перформанса как части человечности, роли творца как развлекателя, неизбежности стороннего наблюдения человеческой жизни и творчества и уязвимости наблюдаемого.

Художники новых течений все шире выбирали темы для работ. Но в числе неизменных тем оставалось само творчество, роль творческого человека. К XX веку устоялась роль творцов как развлекателей широкой публики, само творчество в своем многообразии стало доступнее и массовее распространилось, «обросло» новыми формами. Визуальное искусство теперь было частью индустрии развлечений, доступное многим и имеющее рыночную цену.

Печать, кино, фотография влияли на восприятие и доступность художественных произведений. И оттого появляющиеся в работах мастеров этого периода сюжеты публичных выступлений, перформанса, и, в целом, нахождения под наблюдением окружающих – это, в том числе, рефлексия авторами их места в массовой культуре, места в меняющемся мире как творцов и людей.

Выбор темы обоснован интересом к истокам формирования современного понимания об искусстве как о части индустрии развлечений, о месте художника в мире и обществе.

При выборе материалов для исследования был сделан упор на поиск примеров-иллюстраций разных «ролей» американского художника XX века, принимая во внимание сюжеты в большей мере, чем подход или форму, однако ограничиваясь живописью и графикой для большей цельности исследования. Текстовые источники, выбранные для работы, подкрепляют и анализ представляемых в ней произведений, и контекст их содержания и создания.

Структурирование исследования основано на разных ипостасях, в которых находят себя американские авторы в XX веке, главных героях их картин, отражающих суть их саморефлексии.

Ключевым вопросом исследования можно назвать вопрос формирования в современной западной культуре взгляда на смысл художественной деятельности: ограничивается ли предназначение художника развлечением публики, или у творчества есть высшая цель?

1. Концепция
2. Структура
3. Развлекатель
4. Часть общества
5. Творец
6. Заключение

Герои одной из ранних работ Эдварда Хоппера «Soir Bleu» («Синий вечер») – люди разных классов и жизненных путей, объединенные, помимо общего местоположения – парижского кафе – одиночеством. Именно мастерская передача всех оттенков этого чувства позднее прославит Хоппера, но в «Soir Bleu» нет сходства по сюжету и композиции с привычно-лиминальными нью-йоркскими пространствами с его более известных поздних полотен художника.

Многофигурная композиция картины лишь усиливает изоляцию героев. Среди них выделяется фигура клоуна в белоснежном костюме – он не выступает, ни с кем не взаимодействует, напряженная мимика и пустой взгляд героя указывают на его разочарование, душевную боль. Зрителю понятно, что артист не смог развлечь свою публику, не был понят, и мы наблюдаем момент творческого кризиса так неуместно выделяющегося героя-клоуна, одиноко курящего среди совсем непохожих на него людей.

Можно предположить, что для Хоппера, не нашедшего на тот момент свою аудиторию, грустный клоун символизирует его самого.

Образ художника-развлекателя, его взаимодействия с аудиторией и собственным делом, определенная «перформативность» творчества, ярко проявляется в этом произведении.