Концепция
В первой половине XVIII века начинается период систематизации научных знаний и искусства. Природа становится объектом изучения биологов – появляются первые крупные классификационные модели, например система Линнея. Происходит попытка полностью описать окружающий мир. В это же время подобные стремления возникают и в сфере культуры. Так, немецкий философ Ханс Блюменберг говорил о том, что культура, по мере её возникновения, ослабляет видимые вещи, но позволяет мыслить аналогически и метафорически. Нам необходимо постоянно отвлекаться от материальной конкретности этих вещей и видеть в них общие закономерности и принципы.
Подобные идеи систематизации знания высказывал и Иммануил Кант. Его регулятивная идея побуждает исследователя искать связи между разрозненными данными. "Под природой (в эмпирическом смысле), - пишет Кант, - мы разумеем связь существования явлений по необходимым правилам, т.е. по законам. Следовательно, существуют определенные законы, и притом a priori, которые впервые делают природу возможной...". Следовательно, там, где нет понятия закономерности, - нет понятия природы.
Половые признаки растений и соответствующие им классы Системы Линнея. Рисунок Георга Эрета из первого издания «Системы природы». 1735
Благодаря поддержке идеи всеобщей структуризации в научной сфере происходит настоящая информационная революция – появляются словари и всевозможные атласы, наполненные бесконечным количеством картинок. Люди не просто собирали информацию, они старались иллюстрировать материал, создавая целые серии изображений по заданной теме. Таким образом, описывая реальность, художники стремились создать максимально реалистичные рисунки.
Альбертус Себа. Иллюстрация из книги «Кунсткамера». XVIII века
Весь XVIII век для искусства прошёл под эгидой убедительной имитации материального мира. В данном контексте серийность изображений — это перепись всего мира, окружающего человека.
Однако всё кардинально меняется с наступлением промышленной революции в конце XVIII – начале XIX века. Изобретение фотографии освобождает художников от точного документирования реальности – теперь с этой задачей превосходно справится и машина. Авторы вынуждены искать новые смыслы своей работы, изобретать заново саму художественную форму искусства. Художники начинают работать с цветом и эмоцией, они стараются запечатлеть момент.
Таким образом, моя гипотеза заключается в том, что серийность в искусстве развивается как антитеза промышленному конвейеру. Если заводская серия стремится к абсолютной идентичности, то художественная серия использует повтор как способ обнаружения уникальных различий — художник, повторяя, не убивает уникальность, а находит её.
Цель работы – исследовать эволюцию серийности как метода познания и самовыражения, начиная с научной систематизации XVIII века и заканчивая алгоритмическими процессами в современной цифровой культуре.
Рубрикатор
- Концепция
- "Ответ" техническому прогрессу
- Идеи XX века
- Искусство как продукт потребления
- Концептуальные серии
- Высказывание автора
- Алгоритмическая серийность XXI века
- Заключение
«Ответ» техническому прогрессу
Так, в 1877 году Моне создаёт одну из первых серий в истории искусства – «Вокзал Сен-Лазар». Было выполнено 12 картин, объединённых темой дымящихся поездов. Моне работает прямо на вокзале, стремясь передать атмосферу и свет. Эти полотна - настоящий художественный поиск, который был впервые выведен за формат эскизов и представлен публике как серия.
К. Моне. Серия работ «Вокзал Сен-Лазар». 1877
В дальнейшем Клод Моне продолжает изучение интересующих его тем с помощью создания серий. Так, в период с 1888 по 1891 год художник выполнил 31 картину, изображающую стога сена. Моне повторяет сюжет снова и снова, чтобы показать разницу освещения в разное время суток и в разное время года.
К. Моне. Серия работ «Стога». 1888–1891
Художник конца XIX века изучает мир не для того, чтобы описать его, а чтобы рассказать, как именно он его видит, запечатлеть свои чувства и эмоции. Это так называемый «ответ» техническому прогрессу — ни один фотоаппарат не сможет передать индивидуальное впечатление, а тем более провести целое исследование в формате серии работ. Таким образом, заводская промышленная «серия» противопоставляется художественной серийности. На заводе серия — это стремление к идентичности (отсутствию брака), а в искусстве серия — это исследование различий внутри подобия.
Идеи XX века
Однако не только пейзажи становятся темой изучения художников. Так, в 1940-1942 гг. Александр Родченко создаёт серию «Мимолётности». Он работает с изображением характеров и эмоций. В серии представлены тушевые женские портреты, в которых Родченко создаёт спектр настроений: глубокую печаль, радостный смех и сложную драму. Он не просто рисовал женские характеры, а передавал своё отношение к изображаемой героине. Например, в рисунке «Легкомыслие» Александр Родченко изображает непослушные пряди волос, некую асимметрию в лице и поджатые губы модели – таким образом, мы не видим симпатии автора к ней.
А. Родченко. Серия работ «Мимолётности». Портрет «Легкомыслие» и «Улыбка». 1940-1942
В дальнейшем условность изображения полностью отходит от фигуративной живописи. Теперь художнику для выражения своих эмоций достаточно одного цвета. Работы Ива Кляйна – это монохромные холсты. В своей серии картин художник исследует эмоции, которые несёт за собой тот или иной цвет. Основной идеей Ив Кляйн называл свободу цвета – он никак не ограничивал свои работы, не вставлял их в живописную или реальную раму – художник создавал «открытое окно на свободу».
Ив Кляйн. Книга монохромов. Вместо введения ― пустые чёрные строки. 1954
Визитной карточкой серии стал собственный синий цвет - International Klein Blue (IKB). Для художника этот оттенок являлся воплощением неба и божественности. Используя IKB, всего было создано 194 работы. С помощью своей серии Кляйн раздвигает границы осязаемого мира, делая главным героем своих картин идею. Автор предлагает зрителю не просто цвет, а его смысл.
Ив Кляйн. Синий монохром без названия. 1957
В XX веке на первый план выходит идейность искусства. Теперь недостаточно «просто изобразить» своё впечатление от увиденного, важно вложить какой-то социальный смысл в своё произведение. Подобная тенденция часто оказывалась попыткой продать своё творчество. Искусство невольно становится отражением окружающего мира — гигантским рынком спроса и предложения.
Искусство как продукт потребления
В свою очередь, основной идеей творчества Энди Уорхола становится серийность как тиражируемые образы массовой культуры (банки супа, бутылки Coca-Cola, портреты знаменитостей). Художник поднимает вопрос о границах между искусством и коммерцией. Уорхол использует метод шелкографии, при котором копии изображения создаются с минимальным участием автора. Энди Уорхол создаёт целую «Фабрику» по тиражированию своих изображений.
Энди Уорхол. «Фабрика». 1962-1984
Художник создаёт огромное количество работ, делая процесс их производства бесконечным – это множество серий одной и той же картины, состоящей из разных по стилистике, цвету и размеру частей. Самые известные серии - «Банки с супом Campbell’s» (1961–1962) — серия из 32 холстов, на каждом из которых изображена одна из разновидностей супов компании; «Диптих Мэрилин» (1962) — 25 чёрно-белых и 25 цветных изображений Мэрилин Монро.
Энди Уорхол. «Банки с супом Campbell’s». 1961–1962 Энди Уорхол. «Диптих Мэрилин». 1962
